Crítica: Medea en el Teatro Real

Medea, ópera con moralización

“Medea” de Cherubini. Edición crítica de Heiko Cullmann a partir de la edición original francesa, con recitativos cantados a cargo de Alan Curtis. Reparto: Maria Agresta, Enea Scala, Nancy Fabiola Herrera, Jongmin Park, Sara Blanch. Orquesta y Coro Titulares del Teatro Real. Dirección de escena y escenografía: Paco Azorín. Dirección musical: Ivor Bolton. Teatro Real. Madrid, 19 de septiembre.

Escena de Medea (c) Teatro Real

Apertura de temporada del Teatro Real con una ópera muy poco frecuente en coproducción con el Abu Dhabi Festival, “Medea” de Cherubini, estrenada en el Théâtre Feydeau de París el 13 de marzo de 1797. No será la única Medea de la temporada. En junio se estrenará la versión del mismo mito de MarcAntoine Charpentier, con William Christie y Les Arts Florisants. Las funciones de Medea están dedicadas a María Callas (1923-1977) en el año del centenario de su nacimiento. En 1953, tras adelgazar mediante un proceso aún discutido, cosechó un gran triunfo en el Maggio Musicale Fiorentino bajo dirección de Tullio Serafin y más tarde llevó la obra a la Scala con Leonard Bernstein. Nuestra siempre añorada Teresa Berganza cantó con ella el rol de Neris, protagonista de la única gran aria de estilo tradicional en la partitura, en Dallas en 1958. Callas se convirtió en su más adecuada intérprete, por canto y escena, abordando el papel más de treinta veces en nueve ciudades y llegó a encarnar a la vengativa maga en un film de Pasolini. Ya más tarde han seguido el camino cantantes como Gwyneth Jones, Inge Borkh, Leyla Genzer, Leonie Rysanek y actualmente Sondra Radvanovski, quien abrió la pasada temporada del Met. Montserrat Caballé la abordó en el Liceo en 1976 y en 1989 en Mérida y Peralada. Tampoco debemos olvidar la creación que realizó teatralmente Nuria Espert.

A lo largo de estos más de doscientos años han existido diversas versiones en cuanto a los recitativos ya que Cherubini no los llegó a escribir por dificultades en la época de la Revolución Francesa, siendo los más utilizados y hasta traducidos a alemán e italiano los de Franz Paul Lachner. Para esta nueva producción Alan Curtis ha creado unos propios acompañados en francés, bien hechos, respetando el espíritu de su compositor, homogeneizando la partitura, pero también eliminando contrastes. La partitura fue muy admirada por Wagner o Brahms, quien llegó a afirmar “es la obra que nosotros, los músicos, reconocemos entre nosotros como la cumbre mayor de toda la música dramática”.

Escena de Medea (c) Teatro Real

Todos los personajes han de palidecer frente al poderío de Medea, así el infiel y traidor Jason, el fatuo Creonte, la insípida Dirce o la fiel Neris. Impresiona el carácter de Medea, capaz de asesinar un día a su hermano para conseguir a Jasón y otro día a su rival Dirce y hasta a sus hijos para vengarse de Jasón. Es más mujer que madre. Lamentablemente el tema ha pasado a ser actualidad en nuestros días y con frecuencia aparece en los medios de comunicación y hasta la protagonista sería equiparable, salvando distancias, a algunas feministas mal centradas.

Paco Azorín crea un escenario que representa la bajada a los infiernos de todos los personajes mediante una especie de pozo o mina con ascensor y gran escalera de 26 metros de altura. Arriba el palacio y abajo lava negra. En medio las furias, interpretadas por virtuosos artistas de parkour, que trepan y se arrastran. Maneja dos tiempos diferentes: el original, mítico y atemporal junto al más concreto actual y realza el drama de los dos hijos, adolescentes macarras, capaces de comprender, desde la escena inicial, llegando a matarlos con especial virulencia en el sueño de Medea durante la tormenta y, sin embargo, ocultándonos su asesinato real. Todo ello con carteles moralizantes, fáciles e innecesarios para muchos. Mezcolanza de ideas, absurdas con frecuencia – Medea como terrorista, invocación a Baco de los popes, etc.- pero con movimientos espectaculares y mucho atractivo para que parte del público no parase de sacar fotos. ¡Qué manía!

Escena de Medea (c) Teatro Real

Para una obra así ha de contarse no ya con grandes cantantes, sino artistas. No los hubo en este reparto en cuanto al dúo protagonista. Maria Agresta sale de apuros como puede, especialmente en el tercer acto. No es fácil encarnar a esa mujer, medio diosa y hechicera, enamorada, engañada pero, sobre todo, ofendida, despechada y vengativa. La partitura es inclemente, si bien no por las inexistentes coloraturas o el virtuosismo, si por los cambios bruscos de registro, muy centrado en centro y graves, inaudibles en su voz, y con abundantes sies naturales, ya que la música sigue al texto silábico escrito en alejandrinos, a lo que hay que añadir tanto la subida de tono de las orquestas como las exigencias actorales actuales. Frases como “¿cómo osas enviarme al destierro?” sonaban más a una tierna súplica que a un desafío. La falta de contrastes lleva a una cierta monotonía. Enea Scala aporta intención y mejora en segundo y tercer acto, pero el timbre no es grato y el vibrato patente. Muy correctas Nancy Fabiola Herrera como Neris, Sara Blanch como Dirce y contundente en lo vocal el Creonte de Jongmin Park, aunque con poca presencia regia.

Ivor Bolton concibe la partitura como un paso de Haydn a Beethoven, ni tan clásica ni tan romántica, logrando un buen resultado de la orquesta -muy rica para la época- y los coros, relevantes en este caso y, a pesar, del anuncio de huelga y, quizá, con su habitual exceso de volumen. Todo ello, con momentos brillantes como la citada tormenta o el precioso acompañamiento con fagot incluido en el aria de Neris, no óbice para una cierta pesadez en el sonido de la obertura, así como falta de chispa en otros instantes y, en general, ausencia de emoción tanto vocal como orquestalmente.

Presidieron los Reyes, que inauguraron el “Cielo”, una proyección sobre la cúpula y la lampara de la sala. El Real quiere empezar con novedades. Gonzalo Alonso

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